Notre thème « La splendeur de la nature » est notre rappel que l’art, comme le printemps, est une force de renouveau.
Avec l'éveil du printemps, le monde change : une douce lumière s'étend sur des journées plus longues, les couleurs refont surface. C'est une saison de renouveau : il est temps de respirer profondément, de sortir et de créer.
Nature's Splendour est notre invitation à explorer ce dialogue, à capturer le pouls de la saison dans chaque croquis, chaque lavis et chaque marque.
Que vous encadriez votre dernière œuvre, que vous vous prépariez pour un marché de l'art ou que vous équilibriez la lumière et l'obscurité dans votre palette de couleurs, Nature's Splendour vous rappelle que l'art, comme le printemps, est une force de renouveau.
Peindre des couches, des lignes et du ruban adhésif avec Meghan Hildebrand
Couleurs audacieuses, sens multiples et matériaux inattendus : bienvenue dans l'univers de Meghan Hildebrand. Dans cette vidéo, Meghan nous emmène au cœur de son processus de peinture intuitif, où le ruban adhésif devient un outil de construction et où les contrastes de couleurs vibrants racontent des histoires complexes.
Connue pour son art abstrait et narratif, Meghan partage comment elle équilibre le chaos et le contrôle grâce à des techniques de masquage, un travail au trait et une approche audacieuse de la composition.
Regardez la vidéo et lisez la suite pour découvrir notre séance de questions-réponses avec Meghan Hildebrand.
Questions-réponses avec Meghan Hildebrand
Votre travail est profondément inspiré par la nature. Pouvez-vous décrire comment votre environnement influence votre démarche artistique ?
J'essaie de faire plus que simplement décrire mon environnement ; j'essaie vraiment d'exprimer ce que l'on ressent, ce que l'on sent, ce que l'on entend. J'essaie de capturer cette sensation, comme si on était dans les bois, où tout se passe autour de soi, et pourtant tout fonctionne.
C'est ce processus de « faire de l'harmonie à partir du chaos » — cela me donne un sentiment de satisfaction, je pense qu'organiser le désordre est un besoin humain assez universel.
Comment traduisez-vous les émotions et l’atmosphère de la nature dans vos œuvres ?
J'utilise une approche maximaliste , remplissant la surface de détails pour créer cette sensation globale d'être en plein air dans la nature.
Je travaille avec des couleurs directement issues de la nature, parfois combinées à leurs compléments directs pour les mettre en valeur. Les hivers de la côte ouest ont un côté brumeux et maussade , et j'aime utiliser la perspective atmosphérique pour créer cette sensation d'immersion.
Y a-t-il des éléments naturels particuliers (paysages, plantes, faune, saisons) qui vous attirent le plus, et pourquoi ?
J'aime les possibilités visuelles du littoral – les multiples façons de l'exprimer. L'eau calme crée un miroir. L'eau en mouvement réfracte les couleurs en des formes fascinantes.
Presque tout est permis – un peu comme les nuages ! Les nuages offrent une expérience d'expression picturale exceptionnelle.
J'aime aussi beaucoup peindre les arbres. Une forêt aux multiples formes offre tant de possibilités d'exploration en termes de coups de pinceau et de subtiles variations de couleurs.
Avez-vous une palette de couleurs signature ? Quels sont les pigments ou les matériaux incontournables que vous utilisez systématiquement pour donner vie à la nature dans vos œuvres ?
Je n'ai pas de palette signature ! J'ai tendance à passer par phases de couleurs.
J'utilise beaucoup de blanc ; j'en utilise probablement cinq fois plus que n'importe quelle autre couleur. C'est un outil puissant ! Il peut à la fois apaiser les couleurs et les raviver.
J'utilise de plus en plus de glacis dans mes œuvres, afin de mettre en valeur la texture des coups de pinceau. J'utilise beaucoup de médium mat pour cela.
Quelles sont vos peintures, pinceaux et supports de prédilection pour créer ? Pourquoi les choisissez-vous plutôt que d’autres ?
Je vais me faire plaisir DORÉ ou Liquitex pour les pigments haut de gamme.
Je tends toujours mes toiles moi-même, sur la toile la plus épaisse possible, et j'utilise toujours des châssis de qualité galerie. La qualité est évidente lorsqu'elle est réalisée à la main, sur une toile non apprêtée. J'apprécie cette étape du processus et je trouve que je suis celui qui réussit le mieux à la tendre.
J'adore le gesso Liquitex , il peut être appliqué très épais pour une surface lisse, je n'aime pas toujours travailler sur la texture de la toile.
J'ai des dizaines de pinceaux et je ne suis pas difficile, j'aime juste en avoir assez pour pouvoir peindre toute la journée sans avoir à les laver !
PLUS:
- une sélection de couteaux à palette
- ruban de masquage
- médium acrylique pour sceller le ruban et diluer la peinture
- une palette sta-wet pour que vous puissiez revenir à vos peintures le lendemain
- beaucoup de couleurs acryliques à expérimenter
Existe-t-il des outils ou des matériaux moins connus que vous utilisez et que d’autres artistes pourraient trouver utiles ?
J'adore un médium mat .
Quel que soit votre goût, du mat au brillant, je pense qu'il est essentiel d'unifier la surface du tableau . Différents niveaux de brillance, surtout lorsqu'on combine différentes marques de peinture sur un même tableau, peuvent donner un résultat vraiment distrayant et négligé.
J'ai choisi le mat parce que vous pouvez l'accrocher n'importe où sans craindre que l'éblouissement ne gâche votre plaisir d'admirer l'art.
Utiliser un médium mat après avoir appliqué du ruban de masquage est une excellente astuce pour éviter les fuites.
Le médium mat peut également éclaircir les couleurs et créer des glacis - l'eau fonctionne dans une certaine mesure, mais l'eau détruit rapidement la résistance de la peinture séchée