En janvier, nous explorons le monde du portrait dans notre série « Au-delà du visage ».
Le portrait nous demande de voir au-delà de la surface et d’explorer ce que signifie vraiment nous voir, voir les autres et les espaces que nous habitons.
À travers la forme humaine, nous découvrons de nouvelles perspectives non pas dans le sujet, mais dans l’acte de créer.
En expérimentant la façon dont nous capturons la figure à travers différents matériaux, approches et perspectives, nous brisons la frontière entre la forme et le sens.
Dans cet épisode, nous discutons avec l'artiste Harvey Chan pour en savoir plus sur l'expérimentation des médiums dans l'art du portrait.
Questions-réponses avec l'artiste Harvey Chan
Quels matériaux utilisez-vous pour votre travail de portrait et comment influencent-ils votre processus ?
Papier Canson Mi-Teintes pour pastels à la craie, papier Canson aquarelle pour stylo aquarellable ou crayon graphite, et papier à l'huile Arches et toile apprêtée pour les couleurs à l'huile.
Comment vos préférences en matière de matériaux ont-elles évolué au fil du temps ? Avez-vous changé de marque ou de type de matériaux, et qu'est-ce qui a motivé ces changements ?
La plupart du temps , ma surface changeait selon les techniques de dessin ou de peinture . Parfois, j'appliquais un médium sur une surface particulière, dans le cadre d'une approche mixte avec effets de superposition.
Comment les matériaux que vous choisissez influencent-ils la texture et la profondeur de vos portraits ? Utilisez-vous des techniques particulières pour exploiter pleinement leur potentiel ?
Selon l'outil utilisé (bâton, crayon ou pinceau) pour appliquer le médium sur la surface, je peux créer des possibilités infinies de textures et de profondeur. L'opacité et la transparence sont des qualités que j'apprécie particulièrement.
Pouvez-vous nous parler d’un cas précis où le choix d’un matériau particulier a eu un impact significatif sur le résultat d’un portrait ?
Chaque support a ses limites spécifiques en termes de tolérance dans le processus de développement d’un portrait.
Par exemple, le pastel à la craie m'offre une liberté absolue, car c'est à la fois un médium pour le dessin et la peinture lorsqu'il est appliqué sur une surface texturée comme du Canson Mi-Tiente ou du papier sablé. Le résultat est toujours un mélange de linéarité et de picturalité.
Avez-vous déjà expérimenté des matériaux non conventionnels dans vos portraits ? Si oui, qu'est-ce qui vous a poussé à explorer ces options et quels en ont été les résultats ?
J’ai toujours été curieux d’explorer différents matériaux artistiques sur diverses surfaces avec des outils inhabituels.
Je suppose que j'ai réalisé que la composante abstraite (traces/textures/énergie gestuelle...etc.) d'un dessin ou d'une peinture semble jouer un rôle important pour aider le public à s'engager avec une œuvre d'art, autre que l'image et le concept.
Qu’avez-vous découvert sur votre processus artistique grâce à l’utilisation de certains matériaux, et comment cela a-t-il façonné votre approche du portrait ?
Le temps de séchage, la transparence/opacité et la compatibilité entre les différents supports artistiques affectent certainement mon choix de support(s) et bien sûr l'échelle de mon travail aussi.
Y a-t-il des matériaux que vous trouvez particulièrement difficiles à travailler en portrait ? Comment surmontez-vous ces difficultés et quel impact cela a-t-il sur l'esthétique finale de votre œuvre ?
J'ai trouvé que les peintures acryliques pouvaient être difficiles à appliquer en raison de leur séchage rapide. Heureusement, on peut utiliser un médium retardateur , et je peux aussi ralentir le processus en augmentant l'intensité de la couleur par plusieurs glacis de couleurs transparentes.
Comment équilibrez-vous les exigences techniques de certains matériaux avec les objectifs expressifs que vous avez pour vos portraits ?
J'ai trouvé utile de gérer la courbe d'apprentissage en gardant l'image simple et petite si je veux expérimenter un nouveau support.
Pour les portraits, il est beaucoup plus facile de travailler avec un visage aux tons plus contrastés qu'avec une référence à la lumière tamisée. Pour créer des portraits imaginaires, j'ai beaucoup plus de liberté pour prendre des risques en travaillant avec de nouveaux supports ou surfaces.
Tenez-vous compte des implications durables et éthiques des matériaux que vous utilisez ? Si oui, comment cela influence-t-il vos choix de matériaux pour la création de portraits ?
Dans la plupart des cas, je choisis mon matériel artistique en fonction de ce que j’explore à ce moment-là et de la durée de la séance.
Lorsque j'étais dans un esprit de prise de risque, je choisissais mes supports de manière plus aléatoire , afin de relever certains défis et de sortir de ma zone de confort.
Harvey Chan
Harvey Chan est un artiste primé basé à Vancouver (originaire de Hong Kong), spécialisé dans la forme humaine. Depuis l'obtention de son diplôme de l'Ontario College of Art, il travaille comme illustrateur professionnel et éducateur artistique.