En janvier, nous explorons le monde du portrait dans notre série « Au-delà du visage ».
Le portrait nous demande de voir au-delà de la surface et d’explorer ce que signifie vraiment nous voir, voir les autres et les espaces que nous habitons.
À travers la forme humaine, nous découvrons de nouvelles perspectives non pas dans le sujet, mais dans l’acte de créer.
En expérimentant la façon dont nous capturons la figure à travers différents matériaux, approches et perspectives, nous brisons la frontière entre la forme et le sens.
Dans cet épisode, l'artiste Francis Tiffany nous propose des conseils et des techniques de portrait.
Questions-réponses avec l'artiste Francis Tiffany
Quels matériaux utilisez-vous pour votre travail de portrait et comment influencent-ils votre processus ?
Je suis peintre à l'huile, par passion et par expérience. La peinture à l'huile est de loin le médium le plus facile à utiliser, le plus adaptable et le plus durable ; aucun autre ne l'égale. Cependant, si un client me demande un autre médium pour une commande, je l'utiliserai. Après l'huile, mes matériaux les plus courants sont : l'acrylique, la caséine et le fusain (en bâton et liquide), utilisés avec du gesso appliqué .
L'un des plus grands avantages de la peinture à l'huile est l'absence de variation de couleur : la couleur obtenue est celle que l'on mélange. Je trouve que c'est un inconvénient majeur des médiums à l'eau : les tons foncés sèchent plus clairs et les tons clairs plus foncés. On s'y habitue, mais ce n'est toujours pas aussi simple ni aussi intuitif que l'huile.
Les pinceaux sont toujours en fibres naturelles pour les huiles et synthétiques pour les médiums à l'eau. J'ai essayé des poils synthétiques pour les huiles, mais ils s'étalent toujours. J'ai utilisé et collectionné des centaines de pinceaux au fil des décennies ; si on les entretient, ils durent. La clé de leur longévité réside dans un nettoyage régulier avec un bon savon pour pinceaux .
Les surfaces et les supports sont, là encore, conformes aux souhaits du client – bien qu'il s'agisse généralement de toile ou, plus rarement, de panneaux . J'ai la chance de disposer d'un atelier de menuiserie où je peux fabriquer moi-même mes châssis, tendeurs, panneaux et cadres. Pouvoir fabriquer des supports sur mesure est un atout majeur.
Comment vos préférences en matière de matériaux ont-elles évolué au fil du temps ? Avez-vous changé de marque ou de type de matériaux, et qu'est-ce qui a motivé ces changements ?
J'ai commencé à peindre sur panneau lorsque j'étais étudiant en art, mais maintenant je peins généralement sur toile (même si je travaille encore parfois sur panneau). Cependant, lorsque je réalise une commande, c'est vraiment la volonté du client qui détermine le choix du support. S'il préfère la feuille de cuivre, c'est ce que j'essaie d'utiliser.
La qualité est probablement le facteur décisif lorsque j'achète de la peinture. Des matériaux de meilleure qualité ne feront pas de vous un meilleur artiste, mais ils rendent l'expérience de peinture bien plus agréable et plaisante.
J'essaie toujours d'acheter des peintures mono-pigmentées . Cependant, si un seul fabricant propose une peinture spécifique, il faut s'en procurer une. Ceci dit, je préfère les peintures artisanales , même si je suis encore en train d'épuiser les derniers tubes de peintures « qualité étudiante » distribués par les écoles d'art (j'ai l'âge d'avoir fréquenté des écoles d'art qui fournissaient de la peinture). Ces peintures « qualité étudiante » sont certes de moindre qualité, car elles contiennent plus de charges, mais pour les parties peu exigeantes, comme les fonds unis, elles conviennent tout à fait.
Comment les matériaux que vous choisissez influencent-ils la texture et la profondeur de vos portraits ? Utilisez-vous des techniques particulières pour exploiter pleinement leur potentiel ?
En tant que peintre, ma principale méthode pour obtenir de la profondeur est le glacis. Je peux en appliquer de nombreux d'opacité et de vivacité variables tout au long du processus de peinture. À bien des égards, c'est l'accumulation de couches sur une sous-couche solide qui confère à l'œuvre sa profondeur. De plus, certaines couleurs ne peuvent être obtenues que par glacis. Les tissus synthétiques « électriques » en polyester et en rayonne, dont les colorants sont insolubles dans la peinture, sont particulièrement difficiles à obtenir, car ils ne peuvent être obtenus qu'avec une couleur de base et plusieurs glacis.
L'application de couches fines à épaisses, de fines à épaisses, est une méthode éprouvée pour obtenir à la fois de la profondeur et une surface stable et durable. Cependant, une sous-couche acrylique pour une œuvre à l'huile permet largement de supprimer la partie très fine.
Quant aux techniques, bien que mes peintures soient généralement très plates en termes d'empâtement, il existe des méthodes d'application de la peinture dans des directions particulières et en différentes épaisseurs, permettant de capter la lumière et/ou d'attirer le regard. De plus, une application directionnelle soignée, avec différents types et tailles de pinceaux, peut également contribuer à définir et décrire des formes de manière presque sculpturale.
Pouvez-vous nous parler d’un cas précis où le choix d’un matériau particulier a eu un impact significatif sur le résultat d’un portrait ?
Pour moi, l'un des produits les plus utiles des deux dernières décennies a certainement été le « Chromatic Black » de Gamblin Paints - il est fantastique !
Avant son apparition, il fallait généralement mélanger des couleurs transparentes opposées, comme le vert « Viridian » et le « Alizarin Crimson », pour obtenir un noir transparent « correct ». Le « Chromatic Black » est à la fois plus parfait dans son équilibre et sa composition, et plus facile à mélanger à d'autres couleurs pour créer des nuances riches et profondes.
En tant que professionnel, la possibilité de simplement extraire une telle « ombre dans un tube » permet de gagner du temps et de consacrer plus d’efforts à d’autres zones de la peinture.
Avez-vous déjà expérimenté des matériaux non conventionnels dans vos portraits ? Si oui, qu'est-ce qui vous a poussé à explorer ces options et quels en ont été les résultats ?
L'éducation artistique que j'ai reçue était (heureusement) très académique, fondée sur une tradition séculaire de pratique assidue en atelier. De plus, on nous enseignait tous les aspects de l'art de la peinture, du tissage de la toile à la fabrication des peintures. Cela nous a permis d'acquérir une grande partie de la sagesse acquise au fil des ans sur ce qui confère à une peinture stabilité et durabilité. Cela ne signifie pas que nous n'avons pas expérimenté de matériaux non conventionnels dans notre travail, mais simplement que nous savions qu'ils ne dureraient pas longtemps.
Au fil des ans, j'ai essayé toutes sortes d'additifs pour peintures à l'huile. Certains ont fonctionné, d'autres moins. Par exemple, je ne recommande pas l'huile de clou de girofle comme inhibiteur de séchage. Certes, elle empêche la peinture à l'huile de polymériser et de sécher jusqu'à son évaporation, mais l'odeur de Noël ne compense pas vraiment les mois supplémentaires d'attente pour que la peinture sèche enfin.
Cependant, une fois que l'on sait ce que l'on peut faire, il est possible de contourner les contraintes et les limitations. Par exemple, une œuvre que j'ai réalisée pour un concours juste après le confinement lié à la Covid-19, utilisant différentes teintes de peinture à l'huile rose fluorescente, en est un exemple. Sachant qu'elle cesserait de se déformer sous la lumière extérieure au spectre visuel et qu'elle s'estomperait au bout de quelques années, j'ai appliqué localement des sous-couches avec les roses « normaux » les plus vifs possibles. Je sais que cela ne durera pas, mais les gants en nitrile et le sac de courses roses conserveront des couleurs intenses même lorsque la peinture fluorescente cessera de briller.
Qu’avez-vous découvert sur votre processus artistique grâce à l’utilisation de certains matériaux, et comment cela a-t-il façonné votre approche du portrait ?
J'utilise certainement beaucoup plus les médiums à l'huile que lorsque j'étais étudiant. Avec le bon médium, certaines techniques deviennent plus faciles et plus fluides, offrant une plus grande flexibilité dans la réalisation d'un portrait.
Les coups de pinceau et la gestuelle avec laquelle la peinture est appliquée sont d'une importance capitale dans ma pratique. Je ne m'intéresse pas particulièrement à l'estompage, mais j'essaie d'utiliser les coups de pinceau pour contribuer à la création de l'image, voire à décrire le caractère et la personnalité du modèle à travers ces impressions et ces marques.
Pour cela, j'apprécie particulièrement les médiums alkydes, notamment le « Galkyd » de Gamblin . Il offre une dilution et un séchage parfaits, et ne jaunit pas avec le temps (contrairement au « Liquin » par exemple, bien que ce dernier soit un format idéal pour la dorure à l'huile des cadres).
Y a-t-il des matériaux que vous trouvez particulièrement difficiles à travailler en portrait ? Comment surmontez-vous ces difficultés et quel impact cela a-t-il sur l'esthétique finale de votre œuvre ?
Heureusement, je peins des portraits depuis assez longtemps pour que la plupart des techniques soient exploitables. Cela ne veut pas dire que chaque œuvre sera un chef-d'œuvre, quel que soit le critère ; je peux simplement tirer quelque chose d'un matériau que je n'utilise pas habituellement, mais cela demande plus de travail.
Cependant, je suis probablement moins à l'aise avec les pastels à l'huile et les bâtons de peinture à l'huile, même s'ils sont suffisamment faciles à manipuler. Par exemple, un pinceau trempé dans du white-spirit peut exploiter leur consistance et donner un effet fondant que les bâtons gestuels et étalants n'ont pas.
Comment équilibrez-vous les exigences techniques de certains matériaux avec les objectifs expressifs que vous avez pour vos portraits ?
Je suis un peintre essentiellement « indirect », travaillant généralement à partir de références et de ressources. Il m'arrive cependant de réaliser des peintures directes, « alla prima », en humide sur humide, pour certains sujets (natures mortes, paysages et croquis), ainsi que pour des clients prêts à consacrer du temps à la pose pour un portrait. J'utilise donc des glacis, de nombreuses touches et touches de peinture gestuelles. Cependant, pour permettre cette superposition, il est nécessaire que les applications précédentes soient suffisamment sèches pour accepter les couches et les glacis suivants. Je ne peux pas m'impliquer trop dans une application particulière et négliger la qualité globale du film pictural et sa stabilité.
Il faut donc être prudent. Les techniques très spontanées ne donnent pas toujours le résultat souhaité par les clients ; tout est une question d'équilibre.
Tenez-vous compte des implications durables et éthiques des matériaux que vous utilisez ? Si oui, comment cela influence-t-il vos choix de matériaux pour la création de portraits ?
Heureusement, dans le monde moderne, la peinture à l'huile n'est plus fabriquée à partir de matériaux douteux. Le « Brun Momie » n'est pas fabriqué à partir de momies égyptiennes antiques broyées, et le « Jaune Indien » n'est pas créé à partir d'urine séchée de vaches mal nourries uniquement de feuilles de manguier.
Cela dit, force est de constater que le secteur de la peinture artistique, bien que n'étant qu'une sous-industrie de la peinture industrielle, rencontre quelques problèmes. Par exemple, certains pigments sont composés de produits chimiques métalliques toxiques, souvent issus d'autres activités minières, et leur utilisation permet au moins d'éviter leur simple rejet dans l'environnement sous forme de résidus. Ce problème est de plus en plus atténué par des entreprises américaines et britanniques, par exemple, qui fabriquent des pigments à partir de déchets de mines de charbon (en collaboration avec Gamblin), tandis que d'autres peintures à l'huile sont fabriquées soit à partir de pigments naturels d'origine terrestre, soit à partir de produits chimiques totalement artificiels produits en laboratoire.
Alors, oui, il y a des implications concernant la peinture à l'huile, mais dans mon cas, le plus grand souci concerne les diluants et l'élimination appropriée des solvants de nettoyage excédentaires et « sales ». Il faut s'assurer que tous les nettoyants liquides se sont évaporés et que les chiffons sont bien secs avant de les jeter ; le déversement de solvants chimiques dans la nappe phréatique serait dangereux.
De quelle manière les aspects matériels de votre travail se connectent-ils aux thèmes ou aux messages que vous essayez de transmettre dans vos portraits ?
La peinture à l'huile offre sans aucun doute les options les plus flexibles pour la réalisation de portraits et présente l'avantage de s'inscrire dans des traditions culturelles établies de longue date, synonymes de stabilité, de longévité et, souvent, idéalement, de réussite. Ces liens ne sont peut-être pas centraux, ni même essentiels, mais en tant que spectateurs, nous les établissons souvent sans y penser, tout en en percevant inconsciemment l'importance.
À cette fin, les clients qui commandent des modèles, même pour un tableau « familier », souhaitent généralement que leurs portraits les montrent sous leur meilleur jour et que l'œuvre capture et représente une partie de leur personnalité. La peinture à l'huile, par son adaptabilité et sa polyvalence, m'offre incontestablement, en tant qu'artiste, les possibilités d'y parvenir.
Francis Tiffany
Francis Tiffany est un portraitiste professionnel s'inscrivant dans la tradition académique anglaise. Artiste maintes fois primé, Francis expose régulièrement et ses œuvres figurent dans des collections privées et publiques nationales. Il a été invité à la radio de la CBC et a été membre du jury de nombreux concours artistiques.