De Détroit à la Parsons Design School et enfin aux podiums, l'illustrateur de mode Aaron Potts parle de son parcours, de sa vision et de son processus créatif.

Il partage avec nous l’importance de l’expression de soi, comment un cours de design de mode a changé sa vie et pourquoi un coffret de peinture gouache Winsor & Newton est devenu la base de sa carrière artistique.

L'artiste et créateur de mode Aaron Potts, basé à Brooklyn, fusionne l'art et la mode pour créer des vêtements qui permettent aux gens de se voir et de se célébrer.

Depuis ses études jusqu'à la création de sa propre marque, Aaron revient sur le parcours qui l'a conduit à découvrir son style, son éthique et son processus, ainsi que sur sa collaboration avec Winsor & Newton qui défend l'expression de soi et l'inclusion.

J'ai commencé mon parcours à Détroit, dans le Michigan. J'étais une enfant très créative, toujours en train de dessiner, de peindre, de faire des collages, et en même temps, une grande fan des concours de beauté, des remises de prix – et de tout ce qui concernait Diana Ross ! Dans un lycée public, je suivais un cours de journalisme et j'ai eu une note qui ne me plaisait pas vraiment, et le professeur n'a pas voulu la modifier. J'étais tellement en colère que je me suis dit : « Je vais arrêter ce cours », et le seul autre cours disponible était un cours de stylisme et d'illustration.

C'est là que j'ai pu commencer à allier ma créativité à mon amour de la mode et du glamour. Après la deuxième semaine, j'ai eu une révélation. Je me suis dit : ça y est. Je savais que c'était ma voie. Je me sentais tellement moi-même. Jusqu'à présent, le lycée avait été très difficile pour moi – j'étais timide et introvertie. Mais une fois que j'ai trouvé cette expression artistique qui m'a aidée à sortir de ma coquille, cela m'a permis de rencontrer de nouvelles personnes ; les terminales me demandaient de créer leurs robes de bal. Les cours étaient vraiment incroyables.

J'ai tout appris, du stylisme et de l'illustration à la calligraphie et à la photographie, en passant par le dessin artistique et la nature morte, le tout avec une seule et même enseignante. C'est une personne formidable, une véritable mère de substitution, et je suis toujours très proche d'elle. Elle m'a aidée à préparer mes candidatures et mes portfolios, à intégrer la Parsons School of Design, et me voilà, des décennies plus tard.

L'une des décisions que j'ai prises personnellement était de vouloir être considérée comme une artiste avant tout, et mon expression passe par l'art. La créativité, l'expression artistique, l'expression personnelle, voilà pourquoi je fais cela ; honnêtement, ce n'est pas une question de vêtements. Il s'agit de moi et des gens qui les portent.

Nous utilisons les vêtements comme des outils pour découvrir qui nous sommes, nous exprimer et communiquer ces messages. Je dis souvent que quiconque a les moyens de s'acheter des vêtements n'a pas besoin d'en porter un autre ; il faut donc aller au-delà de la simple beauté. De combien de robes noires avez-vous encore besoin ? J'aimerais plutôt créer une robe noire qui vous aide à exprimer qui vous êtes, à vous voir sous un nouveau jour. C'est ça, la mode et l'art, pour moi.

À mes débuts dans la mode, tout était lié à mon environnement et un peu plus évident : les paillettes, les plumes et la fourrure. J'ai grandi en tant qu'enfant d'église et fils à maman, et j'adorais tout ce glamour. J'ai ensuite approfondi mes connaissances sur la mode, le monde et les gens. J'ai déménagé à New York l'été suivant mon bac et j'ai été immédiatement opérationnel. En dehors de mes cours à Parsons , j'étais entouré de toutes ces nouvelles personnes d'horizons, de confessions, de couleurs, de pays et de langues différents. Lorsqu'on se promène dans les rues de New York et qu'on s'imprègne de tout cela, cela nourrit notre créativité.

Mon évolution consiste essentiellement à mieux connaître les gens et l'humanité , puis à trouver le moyen d'intégrer cela dans mon travail. Il s'agit de messages plus profonds, qui pour moi sont la diversité, la liberté d'expression de genre et la définition de tous les types de beauté comme idéal, comme l'âge qui ne constitue pas un obstacle à la beauté et au style.

Mon travail de créatrice de mode consiste à diffuser des images et des œuvres qui aident chacun à se sentir vu, entendu, valorisé et aimé . Je travaille dans ce domaine depuis des années et il est en constante évolution. Artiste avant tout, je cherche aujourd'hui à devenir davantage un homme d'affaires, et je souhaite que ces messages continuent de nourrir non seulement la créativité, mais aussi le business.

Le premier jour à Parsons, j'ai reçu une liste de fournitures pour ma première année, où je suivais des cours de design tridimensionnel, de beaux-arts et de dessin de nu. Sur cette liste se trouvait un coffret de gouache Winsor & Newton, contenant environ 10 ou 12 tubes de couleurs primaires. Ce coffret est devenu le fondement de ma vie artistique. Nous avons dû apprendre à mélanger toutes les couleurs, toutes les nuances, tous les tons à partir de ce nombre limité de tubes. Le coffret de gouache s'est transformé en une multitude de couleurs . C'est devenu le point de départ de ma pratique artistique en lien avec la mode.

J'ai découvert que les matériaux que j'utilise, et la façon dont je les utilise, influencent ma façon de peindre différents tissus, du velours à la mousseline. Cela se reflète dans mon utilisation des couleurs, celles que j'aime et dans l'apprentissage des mélanges et de la création d'une palette de couleurs pour une collection. L'illustration de mode est alors devenue ma marque de fabrique.

À chaque fois que je commençais un nouveau travail, je devenais l'illustratrice de mode attitrée de l'entreprise, en plus de la création. Je sortais mes gouaches Winsor & Newton – parmi les outils les plus constants que j'aie jamais utilisés en tant que designer . J'utilise ces gouaches depuis plus de 30 ans.

J'aime utiliser ces peintures pour exprimer l'esprit d'un tissu. Il s'agit de lui donner l'apparence, mais aussi le toucher. Les tissus ont des grammages, des brillances et des textures différents ; cela se reflète dans la façon dont je mélange la peinture, le pinceau que j'utilise, la façon dont je l'utilise et la quantité d'eau que j'ajoute.

Parfois, je préfère que mes pinceaux soient un peu plus secs pour donner plus de texture. Si je veux un résultat aérien et fluide, j'ajoute de l'eau et je laisse une teinte plus atténuée, donnant l'impression qu'il y a de l'air autour et qu'on voit à travers. On peut ajouter des tons et des nuances pour créer des ombres, ce qui donne la tridimensionnalité du tissu et l'effet des vêtements sur le corps humain. La peinture permet de raconter l'histoire du tissu , sa forme, ses mouvements. Tout cela se produit au fil des années d'utilisation de ces peintures. Ma main est devenue si experte que des facteurs comme la pression que j'exerce influencent la façon dont ces peintures reflètent la nature même du tissu.

Pour créer une collection, je commence par observer une personne cool dans la rue, ou par être sur la plage et contempler les nuances de l'eau, comme c'est le cas pour la collection Printemps/Été 2025. Parfois, je commence par des tissus que j'aime, et c'est ce tissu qui devient la base de la collection.

J'essaie toujours d'avoir une palette de couleurs neutres, que ce soit du noir, du kaki ou du bleu marine. Ensuite, j'essaie de superposer les couleurs. Parfois, ce sont des couleurs très vives, intenses et joyeuses, parfois des tons de pierres précieuses, ou des tons plus discrets et poudrés. J'essaie ensuite de les mélanger pour qu'elles ne soient pas toutes du même ton. Cela donne de la profondeur à la collection et permet aux clientes de choisir leur humeur du jour : joyeuses et lumineuses, chics ou plus calmes. Parfois, je crée une collection uniquement composée de nuances de noir. Parce que nous sommes humains, nos émotions varient selon les jours . Je ne veux jamais que les gens se sentent obligés de faire semblant. Je veux qu'ils puissent s'exprimer de manière sincère et authentique.

Après la couleur, vient le croquis. Je commence avec des crayons ; certains commencent avec des stylos. J'adore les crayons parce que je peux gommer et commencer à coucher mes idées sur le papier. Neuf fois sur dix, mes premières esquisses ne sont jamais présentées sur un podium ou dans une salle d'exposition. Mais il me faut un point de départ. En dessinant, je m'inspire aussi de références, qu'il s'agisse d'architecture, de design vintage ou de photos de fleurs, et je construis ma palette de couleurs en m'inspirant d'idées pour des silhouettes et des détails de vêtements.

À partir de là, je commence à explorer les tissus. La plupart du temps, j'essaie de trouver des couleurs déjà disponibles sur le marché, des tissus existants qui représentent mon histoire. Mais je peux aussi apporter mes couleurs à des usines pour créer une palette sur mesure. Une fois les rouleaux de tissu reçus, je commence à travailler avec l'atelier de patronage. Je reprends tous mes croquis et les détaille : la longueur, la taille des boutons, l'ampleur de la jupe. Nous travaillons ensemble pour donner vie à ces croquis.

Ensuite, comme j'aime travailler de manière ciblée, je passe directement du croquis à l'échantillon final. Je ne fais pas de toiles. J'essaie de ne pas multiplier les essayages. C'est une façon pour moi d'intégrer une dimension durable, afin de ne pas produire une quantité excessive de pièces qui finissent par être jetées. Je passe donc directement à l'échantillon de mon défilé, on nous les renvoie, puis je fais un casting ou je choisis parmi mon équipe de mannequins qui sont devenues comme une famille. On distribue les échantillons pour le défilé, puis on défile !

J'ai développé ce que représente ma marque et ce que je veux dire, et cette idée d'être un artiste qui travaille dans la mode et qui est leader dans l'art signifie que je veux être un peu plus littéral.

J'ai commencé à utiliser certaines de mes illustrations de mode réalisées avec Winsor & Newton pour les imprimer sur des vêtements. Nous avons un projet de création de pièces de collection – des t-shirts – représentant des illustrations de mode. Je voulais rendre l'art accessible à tous , et rien n'est plus accessible dans la mode qu'un t-shirt. On peut le porter de façon habillée ou décontractée, et l'œuvre devient notre moment d'expression. J'ai probablement des milliers d'illustrations de mode, et je voulais pouvoir les partager, car tout le monde n'a pas les moyens de s'offrir une robe à 2 000 dollars. C'est l'esprit qui compte, que l'on transmette ce message avec une robe haute couture ou un t-shirt en coton.

Dans le monde dans lequel nous vivons, la durabilité est une nécessité absolue, mais il n'est pas nécessaire de sacrifier la beauté et la créativité pour être durable. Les artistes et les créateurs disposent de nombreuses solutions pour s'attaquer à ce problème, d'autant plus que la mode est, je pense, le deuxième plus grand contributeur au gaspillage et à la pollution.

J'essaie d'apporter ma contribution notamment par le choix des tissus. J'utilise des tissus durables, mais l'un de nos principaux axes de développement est l'utilisation de tissus invendus . Au lieu de commander systématiquement un rouleau de tissu neuf, ce qui risque de provoquer des fuites de teinture dans le réseau d'eau, nous allons directement dans les usines, nous cherchons les tissus qu'elles ont en stock et nous les utilisons. Cela nous permet d'éviter de polluer davantage, tout en trouvant de belles choses vraiment intéressantes.

Ce que j'apprécie particulièrement dans la gouache Designers de Winsor & Newton, c'est qu'elle permet à mes mains et à mes yeux de bouger naturellement ensemble. Nous avons connu de nombreuses introductions à la technologie, à l'IA et à différents services d'aide au dessin et à la couleur, et tout cela est merveilleux. Mais je pense que la véritable nature de l'art réside dans le fait qu'il naît de la main et du cœur humains . Et même en utilisant certains de ces outils, si l'on part de ce principe d'art artisanal, on conserve l'humanité et l'esprit de l'œuvre originale, qui transparaissent encore après avoir été passées au crible de la technologie.

En général, je n'aime pas soumettre mon travail à ce filtre. J'aime que l'art évolue dans son processus de création avec une grande pureté, et je veux que l'art transparaisse à la fin. Les processus des autres sont différents, et je respecte cela. Mais pour moi, l'art, les objets faits main, les couleurs mélangées et assemblées, dégagent une certaine émotion, et c'est ce que je veux transmettre au monde.