Le peintre de plein air Gessobord Dennon Walantus se retrouvait constamment à court de sujets à peindre, ce qui l'a conduit vers le paysage environnant des montagnes Adirondack avec un chevalet en forme de boîte à cigares et de la peinture à l'huile.

Q : Votre œuvre préférée d'un autre artiste est West Point, Prout's Neck , de Winslow Homer. Qu'est-ce qui vous attire dans cette œuvre ?

En tant qu'artiste de la région des Adirondacks, je me sens très proche des artistes du passé qui ont travaillé dans les montagnes et sur la côte Est. Winslow Homer est l'un des meilleurs pour représenter avec authenticité le paysage accidenté qui l'entoure, et West Point, Prout's Neck , en est un parfait exemple. J'ai découvert ce tableau lors d'une visite au musée Clark, alors que je venais de commencer mes études d'art. À l'époque, je m'intéressais particulièrement aux natures mortes, mais dès que je suis entré dans la pièce avec ce tableau, j'ai eu un déclic. La lueur rouge et chaude du crépuscule est audacieuse et captivante, mais en y regardant de plus près, on découvre des couleurs moins saturées dans les « gris », tout aussi magistrales dans le choix des couleurs et le coup de pinceau, et dont la température varie constamment. Ce tableau a éveillé en moi le désir de capturer le paysage avec autant d'énergie, ce qui a marqué le début de ma carrière de peintre en plein air.

Arbutus Firelight, 10x8, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Vous n'avez découvert la peinture qu'à l'université, lorsque vous avez décidé de vous réorienter des sciences de l'environnement vers les beaux-arts. Attiré par la nature, la peinture en plein air était-elle pour vous une évidence ?

Au début, non, aussi étrange que cela puisse paraître. J'ai toujours aimé la nature et l'exploration, c'est pourquoi j'ai commencé mes études supérieures en sciences de l'environnement. J'ai suivi un cours de peinture à l'huile très tôt, et même si j'en suis tombée amoureuse, je n'étais pas vraiment à l'aise pour savoir quelle direction prendre. C'est comme apprendre une nouvelle langue ; il fallait que je l'apprenne avant de parler. Mes deux premières années de peinture ont été presque exclusivement consacrées à la nature morte, avec beaucoup de pratique du dessin d'après modèle vivant. J'ai peint des natures mortes très serrées, presque « photo-réalistes », pour perfectionner ma technique et apprendre ce que je pouvais en faire. Lorsque j'ai commencé des cours d'histoire de l'art tout en peignant, j'ai commencé à observer les impressionnistes et j'ai voulu assouplir mon travail et trouver des moments similaires dans mon univers. En 2017, j'ai reçu mon premier chevalet français et j'ai emporté mon atelier en extérieur !

Fleurs sauvages du ruisseau Fishing , 8x10, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Votre palette de couleurs pour vos peintures extérieures est spécifique et limitée. Parlez-nous-en.

Lorsque je peins en extérieur, je m'efforce d'être aussi efficace que possible pour capturer ce que je vois avant que la lumière ne change complètement. Cela limite ma palette à l'essentiel la plupart du temps.

Travailler de cette façon permet de préserver l'harmonie des couleurs dans la peinture et d'apprendre à développer ses compétences avec une palette limitée. Dans ma pratique habituelle, je m'en tiens à deux variantes de chaque primaire, le Blanc de Titane, et j'aime avoir une version « chaude » et « froide » de chaque primaire : Outremer français et Bleu céruléen, Rouge de cadmium clair et Terre d'ombre brûlée, et Jaune de cadmium clair et Ocre jaune. Une fois que vous maîtrisez parfaitement les mélanges avec les primaires, il devient beaucoup plus facile d'expérimenter et de trouver le résultat idéal !

Ogunquit Golden Hour , 8x10, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Comment en êtes-vous arrivé à intégrer autant de texture dans votre travail ?

La texture a commencé à s'intégrer à mon travail lorsque j'ai commencé à peindre en plein air. Travaillant si rapidement et avec une peinture onctueuse, il me semblait naturel de l'utiliser telle quelle. Ce qui m'a toujours attiré en étudiant la peinture, c'est de voir les choix des artistes au fur et à mesure qu'ils peignaient, et j'ai eu l'impression de trouver ma voix en laissant cette marque. L'empâtement est également pratique pour moi. On n'a pas le temps de laisser sécher la peinture à l'huile entre les couches lorsqu'on travaille en extérieur. Pour conserver la fraîcheur des couleurs mélangées sur les panneaux, des marques rapides et précises au couteau à palette ou au pinceau empêchent les couleurs de se fondre au fur et à mesure que l'on les pose.

Pistes de ski du Nord , 8x10, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Peindre l'émotion ressentie plutôt que ce que l'on voit est un objectif que vous recherchez. Pouvez-vous nous en dire plus ?

J'aime peindre en m'inspirant de l'émotion ressentie au premier regard. Lorsque je peins en extérieur, tous les éléments m'influencent : le vent, le soleil (ou son absence), les sons. Tout cela agit sur moi pendant que je travaille. Ces sens influencent mes choix de couleurs et mes traits. Je filtre l'image que je vois, en exagérant mes choix de couleurs ou en les infléchissant sur l'échelle de température (vers une peinture plus chaude ou plus froide). Je le fais car je souhaite que mon travail soit centré sur notre perception de la nature. Je souhaite que le spectateur entrevoie ce que j'ai ressenti en pleine nature.

Mer turquoise , 12x16, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Une fois que vous avez peint une petite œuvre en extérieur, vous l'utilisez comme référence pour une œuvre plus grande en atelier. Quels changements se produisent entre le petit et le grand format ?

Après de nombreuses séances de peinture en plein air, j'ai finalement trouvé une nouvelle composition qui me plaît et qui, je pense, fonctionnera bien sur une grande surface. En extérieur, je peins généralement des formats de 20 x 25 cm ou moins, que je peux agrandir jusqu'à 91 x 122 cm en atelier. Cela nécessite parfois quelques ajustements pour ajouter du dynamisme et du mouvement à une œuvre de ce format. De plus, la superposition est beaucoup plus fréquente chez moi. En extérieur, je termine presque toujours un tableau en deux ou trois heures et le considère comme terminé, en travaillant alla prima en une seule couche de peinture fraîche. Lorsque je travaille sur un grand tableau en atelier, je conserve cette approche dès la première couche. J'essaie de recouvrir la toile rapidement et avec le plus de précision possible, en utilisant beaucoup de peinture, en mélangeant la peinture fraîche au fur et à mesure et en couvrant la surface avec de gros pinceaux et des couteaux à palette. Ensuite, le travail commence à évoluer. Je travaille avec une deuxième couche de peinture, ajoutant plus de détails, ajustant les contours et poussant la lumière et les contrastes plus loin que pour mes œuvres en plein air. J’aime la façon dont cela permet une expérience plus immersive pour le spectateur, alors que les petites œuvres sont généralement une expérience intime.

Histoires de feu de camp , 10x8, huile sur Ampersand Gessobord

Q : Qu'est-ce que vous aimez le plus dans les panneaux Ampersand pour votre travail ?

J'ai trouvé qu'Ampersand est la surface la plus durable et la plus polyvalente que j'aie jamais utilisée pour peindre. La série Gessobord est parfaite pour mon travail et l'accumulation des couches de peinture. Les fines couches appliquées au début glissent facilement sur la surface, sans être interrompues par la texture. Ensuite, au fur et à mesure que j'accumule les couches de peinture, la granulosité et la résistance des panneaux permettent une application physique sans abîmer la surface avec mon couteau (je m'excuse auprès de toutes les toiles que j'ai déchirées). Ce que je préfère avec les panneaux Ampersand, c'est la façon dont ils mettent en valeur le travail de l'artiste ; malgré tous les coups de pinceau et les couches, la surface reste solide, fiable et uniforme.

Biographie de l'artiste :

Ayant grandi à West Chazy, dans l'État de New York, Dennon Walantus passait de nombreuses heures à explorer la nature. Après avoir suivi son premier cours de peinture à l'huile au Clinton Community College, il a su qu'il devait se consacrer à l'art. Peindre à l'huile lui semblait si naturel et enrichissant. Il a déménagé à SUNY Plattsburgh et a changé de spécialisation pour intégrer le programme de licence en beaux-arts.

L'objectif principal de Dennon en peinture est de saisir une réaction immédiate au paysage, d'utiliser la peinture pour suggérer les changements de lumière, les saisons et les humeurs du temps et de l'atmosphère. La plupart de ses œuvres de plein air sont de rapides esquisses à l'huile qui laissent entrevoir des formes, des couleurs et une énergie qu'il rapporte généralement à l'atelier pour des œuvres plus grandes.

Dennon vit et travaille actuellement dans sa maison-atelier à Schuyler Falls, dans l'État de New York, et se rend chaque année sur la côte du Maine. Pour découvrir d'autres œuvres de Dennon, visitez son site web , Instagram et Etsy .