SADÉ DUBOISE
Rencontrez Sadé DuBoise, conteuse visuelle, peintre acrylique et oratrice de l'expérience noire dans le nord-ouest du Pacifique.
Je considère mon travail comme sociopolitique, explorant les expériences de personnes multiraciales – principalement afro-américaines – ainsi que nos expériences et notre lien avec la nature à travers la narration visuelle. Je réfute l'idée que les Noirs craignent les grands espaces ou préfèrent les environnements urbains à la nature en peignant des portraits d'Afro-Américains dans les grands espaces de l'Oregon.
Liquitex a initialement réalisé cette interview en 2021.
Pouvez-vous s'il vous plaît nous dire votre nom et d'où vous venez ?
Je m'appelle Sadé (Sha-Day) DuBoise et je suis basé à Portland, Oregon.
Pouvez-vous nous parler un peu de votre travail ?
Artiste plasticienne autodidacte, je crée des œuvres à l'acrylique en pâte épaisse, pâte molle et gouache. J'utilise principalement la gouache acrylique Liquitex avec la pâte molle Liquitex et des feutres de peinture.
Je suis né dans l'Oregon et j'ai grandi à St. Johns/North Portland. J'apprécie profondément les grands espaces et la biodiversité de l'Oregon. Je considère mon travail comme sociopolitique, explorant les expériences de personnes multiraciales – principalement afro-américaines – ainsi que nos expériences et notre lien avec la nature à travers la narration visuelle. Je réfute l'idée que les Noirs craignent les grands espaces ou préfèrent les environnements urbains à la nature en peignant des portraits d'Afro-Américains dans les grands espaces de l'Oregon.
La plupart des décors que je peins sont des lieux que j'ai visités personnellement en Oregon lors de mes randonnées. Je me concentre sur le portrait, avec une affinité particulière pour capturer les femmes noires dans toute leur gloire, leur beauté et leur vulnérabilité.
Je me suis récemment consacré à temps plein à ma pratique artistique, m'appuyant sur un style qui résonne depuis avril 2017 grâce à mon agence Sade DuBoise Studio. J'ai récemment été sélectionné pour peindre le portrait historique du juge Nelson, premier Afro-Américain à siéger à la Cour suprême de l'Oregon, pour le lycée Adrienne C. Nelson de North Clackamas, qui ouvrira ses portes à l'automne 2021. En décembre 2020, j'ai été sélectionné comme résident et bénéficiaire d'une bourse du Conseil régional des arts et de la culture (Regional Arts & Cultural Council Support Beam), où j'ai pu peindre l'œuvre « Mother of Judah », qui fait désormais partie de leur collection d'art mobile. J'ai également été sélectionné comme artiste bénéficiaire d'une bourse du Arnold Schnitzer Museum of Art (BLM), où je peins actuellement une œuvre de 76 x 102 cm inspirée de « Strange Fruit » de Nina Simone.
Pour la suite de ma carrière d'artiste, j'ai postulé à des programmes de licence en beaux-arts en Oregon. J'espère accepter mon offre au Pacific Northwest College of Art, qui débutera à l'automne 2021 ! Presque chaque jour, je peins un portrait 10x15 cm pour 100 $. Je fais partie d'un groupe Black Portland sur Facebook, où les gens sont toujours à la recherche d'œuvres originales. Cependant, leur budget est généralement compris entre 50 et 100 $. Trouver des œuvres originales à ce prix-là est souvent source de moqueries chez les collectionneurs. J'ai donc créé des mini-œuvres originales, qui me prennent entre 1 et 3 heures. Proposer ces œuvres à 100 $ permet de rendre la collection d'art originale plus abordable et accessible aux plus modestes.
Quelle a été la première œuvre qui vous a vraiment marqué et qui vous a fait envisager de devenir artiste ? Qui était l'artiste ?
La première œuvre qui m'a vraiment marqué a été « Untitled (Lovers) » de Kerry James Marshall. En la voyant, j'ai réalisé que je n'avais jamais vu de personnes noires dans l'art. J'ai adoré sa palette pour peindre des peaux foncées et des personnes noires dans différentes situations du quotidien. Son travail m'a donné envie de peindre pour raconter des histoires visuelles sur les personnes noires vivant dans le Nord-Ouest Pacifique. Parmi les autres artistes qui m'ont inspiré à l'adolescence, on compte l'artiste local Arvie Smith et le célèbre artiste Kehinde Wiley.
Où trouvez-vous l’inspiration pour votre travail ?
Pour mes portraits, je puise une grande inspiration dans les différents tableaux que j'ai créés sur Pinterest, notamment « Femmes noires » , « Hommes noirs » et « Femmes » . J'ai une variété de tableaux d'artistes, d'œuvres et de techniques qui m'inspirent. Je suis également très connectée à mon Instagram, où je publie des publications d'artistes, de peintures et de modèles qui inspirent mon travail. Pour les portraits, j'ai tendance à privilégier un certain style : souvent, le modèle regarde l'objectif (ou le spectateur), avec un regard qui exprime la vulnérabilité, la férocité ou la douceur que je ressens moi-même sur le moment. Pour mes paysages, je rassemble toutes mes photos préférées prises lors de randonnées, de voyages sac au dos et de campings à travers l'Oregon. J'ai aussi un tableau de paysages sur Pinterest que je consulte régulièrement pour m'inspirer de mes arrière-plans.
Avez-vous un plan ou une routine particulière lorsque vous commencez à peindre ? Ou diriez-vous que votre processus créatif est routinier, ou est-il plus naturel ?
Ces derniers temps, j'ai peint beaucoup de toiles 10x15 cm, alors je vais vous décrire ma routine. Je commence par consulter mes planches d'inspiration pour déterminer la combinaison portrait/paysage que je vais réaliser. Ensuite, je prépare la toile en utilisant du gesso ou du gesso épais sur du papier aquarelle épais. Je ponctue le gesso avec un couteau à palette si je souhaite une texture. Une fois sec, je dessine l'œuvre. Je commence par l'arrière-plan et je progresse vers le portrait. En général, je commence par le ciel, l'horizon, le second plan, le premier plan, le visage (yeux, nez, bouche, puis le reste du visage en commençant par les sourcils, l'arête du nez, les joues, le menton, les côtés du visage et le front), le corps, les vêtements et enfin les cheveux. Je peins en utilisant la couleur de manière intuitive : je l'utilise directement du tube selon mon intuition. Parfois, j'utilise un assortiment de couleurs sur ma palette. Ce processus me prend entre 1 et 3 heures.
Vous avez récemment emménagé dans un nouvel atelier. Comment s'est passée cette transition ?
Emménager dans un nouvel atelier a été une expérience formidable ! J'adore son emplacement (près du centre-ville de Portland), juste à côté du PushDot Studio où je réalise toutes mes prises de vue. Avec la récente tempête de neige, j'ai apporté un paquet de matériel de mon atelier pour la nuit et je travaille actuellement à domicile. Je m'y rends environ trois à quatre fois par semaine pour emballer et expédier les commandes. En raison de la COVID-19, les toilettes sont fermées, je n'y reste donc pas longtemps. J'utilise principalement cet espace pour récupérer du matériel, stocker mes nouvelles peintures et emballer mes envois jusqu'à la levée des restrictions liées à la COVID-19. J'ai hâte d'y être à temps plein ! Tous mes projets les plus importants, comme le portrait du juge Nelson, sont peints dans l'atelier.
À quoi ressemble une journée type en studio ? Écoutez-vous de la musique ? Votre matériel est-il chaotique ou êtes-vous super organisé ?
Ma journée commence par environ une heure de musculation à domicile et 30 à 60 minutes de course à pied. La veille, j'ai planifié mes entraînements avec une liste de 3 à 5 points à réaliser pour progresser.
En général, je prends des réunions et des appels le matin, et je peins l'après-midi et le soir. J'écoute de la musique et YouTube ! Ce que je préfère, c'est écouter en fond sonore des jeux d'horreur de mes séries préférées, comme Markiplier, Poiised et The Outer Middle Show. Je sais, c'est peut-être bizarre, mais j'ai créé la plupart de mes œuvres en m'arrêtant et en prenant quelques instants pour crier ou sauter après un sursaut soudain.
Côté musique, j'écoute presque tout. Dernièrement, mes artistes et musiques préférés sont Marc Rebillet, la playlist « Get Turnt », « Lo-Fi Beats », Tobe Nwigwe, DaBaby, Childish Gambino Radio, et bien d'autres.
Mon matériel est organisé de manière chaotique. Je le place à des endroits différents, mais de manière chaotique. Par exemple, tous mes tableaux sont au même endroit, mais dispersés un peu partout, ce qui n'est pas idéal quand je cherche une couleur précise. Je les organise donc par couleur en début de journée, mais à la fin d'une séance en studio, mes peintures sont à nouveau partout.
Une fois mes œuvres terminées, je les publie sur Instagram. Vous verrez notamment mes tableaux 10x15 cm. Je les mets en vente sur Instagram et Facebook. Si quelqu'un souhaite acheter l'œuvre, généralement dans les 30 minutes suivant la publication, je crée une annonce personnalisée sur mon site Squarespace et lui envoie le lien d'achat. Je prends ensuite le temps d'authentifier l'œuvre, ce qui implique de noter le temps qu'il m'a fallu pour la peindre (avec horodatage), la dater et la signer. Je laisse mon empreinte digitale sur l'œuvre. Je l'envoie ensuite avec un mot manuscrit à mon collectionneur. Lorsque j'achète des tirages sur ma boutique en ligne, je les emballe et les originaux pour l'expédition.
Chaque colis est accompagné d'un mot manuscrit personnalisé : certains évoquent la météo selon la région d'origine du collectionneur (comme un collectionneur texan récemment touché par la tempête de neige et les coupures de courant). S'il s'agit d'un collectionneur local, je lui indique mes encadreurs PDX préférés. Si nous avons eu une conversation sur Instagram ou Facebook, j'en parle. Je m'efforce de tisser des liens d'amitié avec mes collectionneurs et mes sympathisants en étant à la fois personnel, transparent et ouvert. Outre la beauté de mes œuvres, mes sympathisants et mes collectionneurs les achètent aussi pour le sens qu'elles donnent à mon travail et pour ce pour quoi je travaille.
J'apprécie de pouvoir être authentique avec mes supporters. Après ma séance en studio de la journée, j'attends que mon mari sorte des cours (il prépare actuellement un master en conseil clinique en santé mentale) et je prépare le dîner. Nous mangeons le même repas tous les soirs (nous en mangeons généralement un par jour en raison de nos emplois du temps) : riz, haricots, protéines, fromage, quelques légumes et salsa/crème fraîche.
Comment votre travail a-t-il évolué cette année ? Avez-vous dû vous adapter face à la COVID-19 ?
La demande pour mon travail a augmenté avec l'apparition de la COVID-19. Je trouve plus de soutiens qui suivent mon travail car ils sont plus présents en ligne. Cette augmentation de la demande m'a permis de me consacrer à temps plein à ma pratique artistique et de quitter mon emploi à temps plein le 30 décembre 2020. Si la COVID-19 a été différente pour chacun, elle m'a enfin permis de poursuivre ma carrière d'artiste à temps plein. Avant la COVID-19, je travaillais à temps plein (avec de nombreuses heures supplémentaires) tout en développant ma pratique artistique. Travailler 50 heures par semaine, puis réaliser une peinture de 40 heures (Zanele), m'a valu de nombreuses nuits blanches. Ce n'était pas une partie de plaisir. J'ai pratiquement fait cela pendant les trois dernières années de ma pratique, à mesure que je développais mon réseau de soutien et obtenais des projets et des commandes. Maintenant, je suis libre de peindre et d'accepter davantage de commandes et de projets. Je peux créer des œuvres qui trouvent un écho profond auprès de mes soutiens au quotidien, ce qui compte beaucoup pour moi.
Comment votre environnement influence-t-il votre travail ? Les choses que vous rencontrez au quotidien influencent-elles vos peintures ? Comment ?
J'ai appris une nouvelle traumatisante dans ma famille (Umnia Vera). Cela a complètement changé mon style, ce qui a touché beaucoup de monde. Je dis que j'étais un artiste chargé d'émotions, car maintenant que je suis artiste à temps plein, je ne peux pas décider quand peindre ou non à cause de mes émotions. J'avais peur de devenir artiste à temps plein à cause de cela. Sinon, je me saboterais, alors j'aurais dû travailler à temps plein et développer ma pratique artistique en même temps (ce qui ne m'a pas permis d'accepter plus de commandes et de projets). Maintenant, je peins presque tous les jours. Chaque jour, je travaille sur ma pratique. C'est vraiment libérateur, car je ne m'empêche pas de partager mes œuvres avec le monde. Oui ! Les choses que je rencontre au quotidien nourrissent mes peintures. Par exemple, si je prends une belle photo pendant mon jogging, une randonnée ou une sortie en sac à dos, je l'utilise comme arrière-plan. Pinterest ou Instagram me donnent l'inspiration pour le portrait que je peins.
Selon vous, quelles sont les meilleures choses dans le fait d’être un artiste ?
En tant qu'artiste, j'ai la chance de partager un portail vers la beauté. Selon l'œuvre, je peux avoir une conversation profonde avec un admirateur dont la vie a été bouleversée. C'est fou et tellement épanouissant ! L'art transforme la vie des gens. C'est comme un portail par lequel la beauté se déverse. Comme le disait l'un de mes philosophes contemporains préférés : « C'est pour ça qu'on encadre les tableaux, pour que la beauté reste dans le tableau, pour éviter qu'elle ne se répande partout dans la maison. C'est déjà assez pénible qu'elle soit là, juste devant soi, nous disant comment les choses pourraient être, mais qu'elles ne le soient pas. » Jordan Peterson a également dit à propos de l'art une chose qui me touche profondément : « Tout mérite d'être regardé en profondeur, même sans avoir le temps. C'est une fenêtre ouverte sur le monde de la réalité, au-delà du simple regard. Impliquez-vous dans la beauté. Elle vous rappelle que vous êtes connecté à quelque chose qui dépasse votre compréhension. » Artiste à temps plein, j'aime me réapproprier mon sens de l'identité et du temps. J'ai maintenant une belle connexion avec mon corps, grâce au repos, au sommeil et à la créativité. Je travaille toute la journée, mais cela s'intègre à ma routine quotidienne, qui est flexible et compatible avec les autres aspects et facettes de ma vie.
Qu’est-ce qui, selon vous, est le plus difficile dans le fait d’être un artiste ?
Je refuse les commandes et les projets, que ce soit par manque de moyens ou par manque d'engouement pour le concept. Je trouve que les commandes privées ne me plaisent pas beaucoup. C'est beau quand quelqu'un croit suffisamment en votre travail pour vous payer pour peindre une œuvre qu'il souhaite voir se réaliser. C'est beau de donner vie à sa vision. Mais cela a ses défauts. Travailler sur une commande privée me prend plus de temps, car je suis davantage dans ma tête. J'ai du mal à atteindre la « perfection » de quelqu'un. Alors que je pourrais travailler sur mon propre travail en parallèle, je n'ai aucune hésitation : je peins, tout simplement. L'autre défi qui m'a un temps posé était de savoir si je devais devenir artiste à temps plein ou rester à temps partiel tout en travaillant à temps plein. J'avais du mal à me valoriser en tant qu'artiste. Mon entourage me disait que je ne devrais pas faire ça à temps plein. Maintenant, j'ai plus de temps, de flexibilité et je suis mieux rémunéré en tant qu'artiste qu'avec mon emploi à temps plein.
Quels conseils donneriez-vous aux artistes qui débutent ?
Qu'est-ce qui vous parle ? Pour moi, ce sont les paysages et les portraits de l'Oregon. Quand je courrais sur les sentiers de Wildwood ou que je partais en randonnée, je me sentais calme et sereine. Je voulais que cette œuvre soit présente dans les maisons, les bureaux et les espaces de travail animés des collectionneurs. Je voulais qu'ils puissent s'arrêter un instant et contempler la ou les œuvres. Je voulais qu'ils ressentent un moment de détente.
Grâce aux portraits, je mets les Afro-Américains au centre de mes préoccupations et je raconte une histoire visuelle de persévérance, de beauté et de vulnérabilité. Trouvez ce qui vous parle et laissez-vous guider. Dessinez, peignez ou utilisez le support qui vous convient pour donner vie à vos idées. Commencez avec du matériel bon marché pour expérimenter. J'ai commencé avec des peintures à 1 $ de chez Michaels Art ; maintenant, j'utilise exclusivement des peintures professionnelles Liquitex. La dernière chose que vous voudriez, c'est d'acheter du matériel de haute qualité et de réaliser ensuite que l'art ou le type d'œuvre que vous expérimentez n'est pas fait pour vous (croyez-moi, j'ai fait cela avec des pastels à l'huile d'une valeur de 500 $ – que je n'ai pas touchés depuis environ un an, et je ne sais pas quand j'apprendrai à les utiliser). Validez-vous. Une fois que vous vous qualifiez d'artiste, vous en êtes un. Maintenant, créez. Soyez constant. Persévérez. Constituez-vous un portfolio solide (cela m'a pris trois ans). Créez une page dédiée pour publier vos œuvres. Découvrez comment fixer le prix de votre travail, afin que lorsque quelqu’un demande à acheter une œuvre, vous puissiez répondre à sa demande.
Avez-vous des projets à venir que vous pouvez partager avec nous ?
Bien sûr ! Je travaille actuellement sur un appel à candidatures du Conseil régional des arts et de la culture pour leur collection d'art public mobile. Les œuvres seront accessibles au public au 7e étage du Vanport Building, dans le centre-ville de Portland. J'en profite pour peindre quatre grands tableaux représentant des hommes noirs originaires de l'agglomération de Portland.
En 1948, une inondation a emporté Vanport, un ensemble de logements construit pendant la Seconde Guerre mondiale. À son apogée, Vanport abritait 20 000 personnes et était considérée comme la deuxième plus grande ville de l'Oregon. L'endroit était considéré comme peu attrayant en raison de sa forte population afro-américaine. Le « redlining » et la discrimination en matière de logement étaient monnaie courante à Portland, faisant de Vanport le seul lieu de résidence autorisé pour les résidents noirs. L'insalubrité était telle que l'autorité du logement de Portland a voulu démanteler Vanport, ce qui aurait laissé 20 000 personnes à la rue, sans aucun endroit où se reloger. Ce phénomène s'explique par l'histoire raciste de Portland : lorsque l'Oregon a été intégré aux États-Unis en 1859, c'était le seul État dont la constitution interdisait explicitement aux Noirs de vivre, de travailler ou de posséder des biens immobiliers sur son territoire.
Jusqu'en 1926, il était illégal pour les Noirs de s'installer dans l'État. Des milliers d'hommes et de femmes noirs arrivèrent à Portland pour travailler sur les navires, tandis que les hommes blancs étaient recrutés et arrachés aux chantiers navals. En quelques années, la zone rouge ne devint plus assez grande pour les Afro-Américains. Le 25 mai 1948, le niveau des fleuves Columbia et Willamette dépassa de deux mètres cinquante le niveau des crues. Les autorités de Vanport patrouillèrent les digues sans alerter les habitants. Le 30 mai, après avoir conseillé aux habitants de ne pas s'inquiéter pour les digues, celles-ci ne résistèrent pas. En une journée, la ville fut inondée : les habitants noirs se retrouvèrent sans défense, beaucoup périrent et tous furent déplacés.
En raison de cette histoire, je ressens le devoir de soumettre mes œuvres à l'édifice et je suis impatient de créer des pièces qui pourraient faire partie de l'exposition. La composition de cette œuvre évoquerait Zanele ou la Mère de Juda.
Découvrez d'autres œuvres de Sadé Duboise :
Instagram : @sade.duboise.studio
Site Web : sadeduboisestudio.com
Merci à nos amis de Liquitex d'avoir partagé cet excellent article avec Opus.